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Las 15 mejores bandas sonoras del cine fantástico



King Kong (1933) - Max Steiner

1933 fue un año que supuso un antes y un después gracias a la composición del padre de la música de cine: Max Steiner. Y de forma tradicional ha sido considerado así en especial por este score mayúsculo que hizo que la industria de Hollywood se percatara, casi de manera repentina, del enorme poder de la figura del compositor, en general, en el desarrollo argumental de una película. Fue su octavo score acreditado, ya que, hasta ese momento, sus creaciones, como las de todos los músicos de cine en realidad, no aparecían en los créditos. Curiosamente, a partir de entonces, éstos aparecerían, como por arte de magia, y en la mayoría de los casos, justo antes del productor y del director.
King Kong no es sólo un estandarte, sino una pieza sinfónica que combina a la perfección todos los valores clásicos de la música centroeuropea. Un hito. Una obra inmortal e irrepetible.


El retorno del rey (2003) - Howard Shore

Tercera visita del compositor canadiense Howard Shore al territorio fantástico de Tolkien, El Señor de los Anillos: El retorno del rey (The Lord of the Rings: The return of the king), es el tercer escalón en la que se perfila como sinfonía cinematográfica en seis partes definitiva. En un momento especialmente fructífero de su carrera (principios del nuevo siglo) en el que Shore compuso scores de la importancia de La Celda o La habitación del pánico (aparte de La Comunidad del Anillo), El retorno del rey es una creación cuya principal virtud es su coherencia melódica de grandiosas proporciones. Orcos, elfos, enanos, humanos, hobbits, enanos, magos y seres de todo tipo se enfrentan y se alían en una narración, literaria, cinematográfica y musical, que en esta ocasión se centra en lo bélico, pero sin obviar el trasfondo profundamente melodramático de las relaciones entre personajes. Así, Shore dibuja un score de inusual contenido trágico, apoyándose en una brillante instrumentación  que alcanza su cúspide con los momentos protagonizados por los coros, símbolos tanto del bien como del mal. Pero lo mejor lo deja Shore para el final, con un doble epílogo que combina majestuosamente lo épico y lo lírico, conformando una conclusión de profunda emotividad.



El dragón del Lago de Fuego (1981) - Alex North

Dragonslayer (El dragón del lago de fuego) fue su penúltima nominación al Oscar y un triunfo por su valentía en la composición. Evitando casi en todo momento la tonalidad tradicional de las producciones Disney, la banda sonora se caracteriza por una inusitada instrumentación deudora de grandes músicos como Stravinsky, Boulez o Schoenberg.North describe un mundo fantástico desde lo profundamente dramático, en una especie de sinfonía de lo sombrío que huye de las evidentes y “placenteras” tonalidades tan afines al Hollywood más conservador, salvo momentos aislados como el tema de amor, que da luz y color a una obra oscura y tenebrosa en su casi totalidad.


Legend (1985) - Jerry Goldsmith

Entre la entrañable Exploradores y la aventurera Las minas del rey Salomón, Jerry Goldsmith compuso la que es para muchos su obra cumbre: Legend. La película del irregular Ridley Scott, con el que ya había trabajado con anterioridad en 1979 en Alien (de ingrato recuerdo para el músico californiano por el incoherente montaje final del filme), no tuvo en su momento la repercusión que merecía una producción de tan innegable calidad. Para Goldsmith supuso todo un reto artístico el hecho de recrear melódicamente una historia de hadas, duendes, princesas y seres perversos. Para ello recurrió a su poderoso talento como creador de motivos sólidos y majestuosamente enfáticos, pero siempre desde una línea temática más próxima al tradicional 'toque Hollywood' que a los cánones del cine comercial en el que imperaba lo electrónico. De hecho, y debido a los resultados negativos en los pases previos al estreno norteamericano, los productores tomaron el camino más corto y, por extensión, menos profesional: eliminar la partitura ejemplar de Goldsmith por la compuesta (es un decir) por Tangerine Dream, quien escribió para la ocasión un score a años luz de la grandeza del firmado por el genio angelino. Temas como las canciones My true love's eyes y Living river, junto a The armour, The ring, Re-united o, muy especialmente, The dress waltz, constituyen el alma de una pieza sinfónica de sublime delicadeza, síntesis del estilo de un autor sin igual.


El secreto de la pirámide (1985) - Bruce Broughton

Todos los aficionados, y creo no equivocarme con esta afirmación, opinamos que Young Sherlock Holmes (El secreto de la pirámide) es una obra maestra. Desde su Main title hasta su The riddles solved/ End credits, todo en la partitura del entrañable Bruce Broughton es mayúsculo. Ya sé que mi particular estilo caracterizado por acentuar los calificativos superlativamente tiene sus defectos, pero en el caso de la presente obra maestra podría, y debería, utilizarlos todos. 
No hay rincón en forma de tema que desmerezca del conjunto. Ciertamente es muy extraño encontrar scores con este don a la hora de ser tan creativos en todas sus melodías. Quizás sólo John Williams ha sabido dotar a sus creaciones de una temática original en cada caso, porque en la mayoría de ellos los compositores suelen conformarse con lo incidental
El secreto de la pirámide es una película del irregular Barry Levinson que resulta hoy en día un tanto envejecida (aunque muy por encima de otros filmes de corte familiar de la época o actuales), pero la música de Broughton sobresale gracias a un estilo sinfónico imponente, que destaca abiertamente en temas como Waxing Elizabeth, The final duel o Solving the crime.
1985 fue el año de Broughton, pues también compuso su otra obra maestra, Silverado. A partir de entonces siempre he querido volver a sentir las mismas vibraciones con sus otros scores. Raras veces ha ocurrido. No obstante, es un autor ejemplar que siempre ha merecido un mayor reconocimiento en la industria cinematográfica.


Superman (1978) - John Williams

Situado entre dos obras maestras como Tiburón 2 DráculaSuperman es, junto con Star Wars, el score más emblemático de John Williams. La película dirigida por Richard Donner permanece como una de las adaptaciones de superhéroes más respetuosas tanto con el original como con el público. En su momento su éxito fue enorme, lo cual invitó no sólo a una continuación, de hecho en parte rodada por el propio Donner, sino a dos secuelas más, ambas muy inferiores al filme inicial.
Tras el impacto mediático que supuso Star Wars, y su merecido Oscar recibido en 1978, John Williams se posicionó dentro de la Industria como el principal compositor para las grandes producciones. Su dominio de la melodía, y en especial de los temas con carisma, ha hecho de él el autor más notable del mundo de la música de cine. Si para el épico filme de George Lucas creó el inmortal Main title que todos conocemos, homenaje al clasicismo de Richard Strauss y Erich W. Korngold, para su nueva aventura de ciencia-ficción era inevitable componer un leitmotiv acorde con los cánones del género, que casi siempre se han decantado por las fanfarrias esplendorosas. Así, el tema central de Superman es fiel reflejo de ese estilo epopéyico en el que impera una orquestación ambiciosa y alejada de tonos simples. Pero Williams, como autor obsesionado por la estructura temática creativa, no se conformó con una mera sucesión de variaciones; más bien todo lo contrario. Dejó que los personajes tuvieran su propia melodía, enriqueciendo además al argumento con toda una serie de cortes que recorren, con brillantez y delicadeza, todo el espectro musical de su inconfundible estilo academicista.


La furia (1978) - John Williams

Compuesta justo después de Encuentros en la tercera fase (1977), The fury (La furia) es una de las mejores bandas sonoras de John Williams. El score del maestro neoyorquino supone, dentro de su obra, un notable cambio de registro en su concepción de la música para el cine. Williams se apoya en una instrumentación en apariencia más solvente pero, sobre todo, en una línea temática que será la predominante en su filmografía a partir de 1978, caracterizada por bandas sonoras de producción más cuidada y con un acabado realmente eficiente.
La furia es una película irregular de un realizador irregular: Brian de Palma. Pese a sus deficiencias, la sobresaliente actuación de Kirk Douglas y el tono de suspense in crescendo acentuado por el score, hacen de la película una rara avis dentro del cine de los años 70.
La banda sonora sigue la tradición de John Williams de editar discos en los que todos sus temas parecen ser los protagonistas de cualquier otra obra de otro autor, resultando en definitiva un score imponente, de enérgico dramatismo y que forma parte viva de la historia de la música del siglo XX.


Más allá de los sueños (1998) - Michael Kamen

What dreams may come (Más allá de los sueños), Oscar en su día a los mejores efectos visuales, es un canto sinfónico de majestuosa belleza. En particular hay un tema, en forma de tríptico Summerland & The painted world / The painted bird flies / Christy flies, que describe a través de melodías melancólicas un mundo idealizado símbolo del Edén que sirve de fondo pictórico a la película. Pero todos los temas configuran una obra de singular belleza que va de lo dramático a lo excelsamente romántico; un romanticismo en el fondo próximo a la sensibilidad elegante de la que Kamen siempre ha hecho gala.
En un principio los productores habían contratado al maestro Ennio Morricone para componer la música, lo cual hizo pero fue rechazada, decantándose finalmente por el score de Kamen, quien supo plasmar mucho mejor en el pentagrama toda la fuerza visual de las imágenes.


La isla misteriosa (1961) - Bernard Herrmann

Viaje al centro de la Tierra, Simbad y la princesa, Los viajes de Gulliver, La isla misteriosa y Jasón y los argonautas forman cinco filmes cuyo nexo de unión es la música de Bernard Herrmann. Los cuatro últimos, además, se relacionan entre sí por haber sido producidos por Charles H. Schneer, quien tiene en su haber otras películas del género fantástico  El valle de  Gwangi o Furia de titanes.
Con La isla misteriosa y, en el fondo, con todas las mencionadas con anterioridad, Herrmann revolucionó la música cinematográfica y no sólo los géneros fantástico y de aventuras. Su inagotable carisma como compositor mostró en la película de Cy Enfield su lado más emblemático gracias a su temática variopinta, en la que el colorido tonal realza notablemente las imágenes.


Viaje al centro de la Tierra (1959) - Bernard Herrmann

Dos años antes Herrmann firmó uno de sus scores más notables y revolucionarios. El largometraje de Henry Levin es un clásico imperecedero que, en manos de otro compositor más acomodaticio, habría resultado mucho menos efectivo. Herrmann se decanta por las tonalidades oscuras y frías, muy alejadas de los tópicos del género en los que suele primar el subrayado afable. Con Viaje al centro de la Tierra el músico neoyorquino firma una obra que nos sumerge como espectadores y oyentes en un mundo más allá de la realidad con envidiable maestría.



El fantasma y la Señora Muir (1947) - Bernard Herrmann

Compuesta entre Anna y el rey de Siam Ultimátum a la Tierra, The ghost and Mrs. Muir (El fantasma y la Señora Muir) era la banda sonora favorita del maestroBernard Herrmann. Como explica su biógrafo Steven C. Smith en A heart at fire's center. The film music of Bernard Herrmann, "se trata de una partitura poética, única y muy personal. Contiene la esencia de su ideología Romántica, en particular su fascinación por la muerte, el éxtasis romántico y la belleza de la soledad más melancólica".
El fantasma y la Señora Muir respira las influencias de La mer de Claude Debussy y Peter Grimes de Benjamin Britten. Temas como Prologue, Poetry, The spring sea Forever son fiel reflejo de la pasión de un artista que siempre dio lo mejor de sí mismo, en especial en aquellas películas que recreaban la temática amorosa sin tapujos. Ejemplo de ello son scores magistrales como la ya citada Anna y el rey de Siam, además de Jane Eyre, Las nieves del Kilimanjaro, Vértigo o Suave es la noche.
El filme de Joseph Leo Mankiewicz, ambientado a principios del siglo XX, está basado en la novela de R. A. Dick y resulta un largometraje que mezcla con pericia lo oscuro con lo luminoso, el amor y la muerte, en una simbiosis que parece no querer evitar lo trágico. Y Herrmann con su música potencia el lado melodramático a través de una creación cuyo carácter bucólico la ha hecho inmortal.


Un viaje alucinante al fondo de la mente (1983) - John Corigliano

La obra de John Corigliano, aunque breve, es realmente intensa por su fuerte personalidad inspirada en un evidente academicismo, no exento de una modernidad que siente la atonalidad como algo propio. Con Viaje alucinante al fondo de la mente compone un score que elude las melodías ligeras, salvo el lírico tema de amor, para recrear con su música profundamente áspera el carácter experimental y alucinógeno que desarrolla la historia escrita por Paddy Chayefsky.


Santa Claus (1985) - Henry Mancini

Santa Claus es una obra realmente sugerente y divertida por la que no pasan los años. Desde el prólogo (Main title: Every Christmas Eve and Santa’s theme) hasta cortes de evidente influencia festiva como It’s Christmas again o Sleigh ride over Manhattan, no sin dejar atrás otros más incidentales (Arrival of the Elves o Match versus Santa), que refuerzan desde su colorido la magia de un score brillante y lúcido en su concepción, son todos ellos reflejo de un autor que demostró con él que Mancini también debía ser considerado como un gran compositor de partituras sinfónicas.


Gremlins (1984) - Jerry Goldsmith

Compuesta entre Un tipo solitario y Supergirl, Gremlins es una de las bandas sonoras míticas de Jerry Goldsmith. Para ilustrar la película de Joe Dante, de cuya continuación es preferible no acordarse, el músico angelino creó un tema central, The gremlin rag, finamente socarrón pero sin excederse en su ironía, que protagoniza el score y le dota a la vez de un aire cuyo carácter pícaro hace que la partitura deambule entre tonalidades que buscan el lado más bribón de la música. Y en ello Goldsmith siempre ha sido un maestro consumado.
Sin embargo, no todo el score se decanta por lo jocoso, sino que también nos encontramos con temas con un paradójico sentido de lo grave, en especial para un filme en apariencia familiar (sólo en apariencia) que seduce gracias a un guion arriesgado y muy bien cincelado.


Hook (1991) - John Williams

Compuesta entre la navideña Solo en casa y la comprometida musical y políticamente JFK, Hook (Hook: El capitán Garfio) puede ser considerada como la obra definitiva de John Williams. La aventura personal (que a punto estuvo de convertirse en desventura) del cineasta Steven Spielberg, resulta una película amable y simpática, pero excesiva en su casi descarada retórica, ya que su deseo de conmover 'a toda costa' acaba lastrando una cinta que debería haber sido mucho más moderada.
Williams, por su parte, se adentró en el universo mágico de J. M. Barrie a través de una composición que resalta tanto lo ilusorio como lo lúdico, pero sin dejar de lado una realidad que sirve de componente alejado de lo fantástico. Así, Hook hace gala de un vigor melódico pocas veces alcanzado en la música cinematográfica, y que demuestra que el maestro neoyorquino ha sido y sigue siendo el compositor más dotado en cuanto a la creatividad se refiere.
La banda sonora es un auténtico festival de luces y colores tonales, dando fe de este esplendor temas como Prologue, The flight to Neverland, The banket, The ultimate war o The never feast. Pero de entre todos los que conforman el score hay uno que, por su increíble belleza, preside este espectáculo cromático: You are the Pan, uno de los más emotivos e inspirados de toda la filmografía de John Williams.



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Crítica de "Han Solo: Una Historia de Star Wars" de John Powell y John Williams [*****]

A estas alturas resulta obvio decir que el genio melódico de John Williams no tiene comparación dentro de la música cinematográfica. Su imaginación bebe de una fuente inagotable que nos ha legado temas inmortales cuya principal virtud es su asombroso carisma. En "Han Solo: Una historia de Star Wars" vuelve a legar para la posteridad otro motivo inolvidable: 'The adventures of Han'. En la icónica saga galáctica ya contábamos con temas para Luke, Leia, Darth Vader y, por supuesto, Solo parecía huérfano de identidad musical. Con el mencionado motivo Williams rinde homenaje a un personaje de innegable atractivo mediante su inconfundible estilo fanfárrico pero adornándolo de la colorida pátina estelar. Pero el maestro de Nueva York no está sólo (nunca mejor dicho) en esta nueva aventura. Le acompaña el londinense John Powell, quien adapta algunos de los acordes más reconocibles de la saga, como, a su manera, ya hiciera Michael Giacchino en "Rogue One". La historia del cine ha contado con grandes arreglistas como Alfred Newman, Conrad Salinger, Lennie Hayton o André Previn. En esta ocasión Powell no utiliza el bastón como apoyo melódico, sino que crea su propia atmósfera musical caracterizada por un vigor épico que dibuja a la perfección la evidente peripecia argumental.
"Han Solo: Una Historia de Star Wars" es todo un espectáculo rítmico sin descanso que deja en el feliz oyente una sensación de déjà vu, pero una sensación muy alejada de cualquier percepción peyorativa.
  • Lo mejor: Los inspiradísimos temas 'The adventures of Han' y 'Lando's closet'.
  • Lo peor: que se acabe el festival a los 77 minutos.
Score en open.spotify.com



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Crítica de "Ready Player One" [***]

La relación de Alan Silvestri con el cine de acción y de ciencia-ficción ha sido muy estrecha desde sus comienzos en la industria. Ejemplos de ello son bandas sonoras como 'Tras el Corazón Verde', 'Regreso al futuro', 'El vuelo del navegante', 'Depredador', 'Mi amigo Mac', '¿Quién engañó a Roger Rabbit?', 'Mi novia es una extraterrestre', 'Abyss' o 'Regreso al futuro II'. ¿Qué tienen en común todas ellas, aparte del hecho de pertenecer a ambos géneros? Se trata de partituras escritas en los años 80. Ahora nos llega una nueva incursión en dicha variedad cinematográfica con la adaptación de la novela de Ernest Cline 'Ready Player One', en la que el realizador Steven Spielberg rinde homenaje al universo ochentero con un sinfín de referencias a una época llena de iconos socioculturales.
Ante la imposibilidad de contar con la inestimable colaboración de John Williams, que se encontraba inmerso en el momento de la posproducción en 'Los archivos del Pentágono', ambos decidieron, a su vez asesorados por el orquestador y compositor William Ross (que aquí también firma la instrumentación), contratar al músico más evidente: Silvestri. 
En 'Ready Player One' nos encontramos con una creación que es una referencia continua a los scores que el músico neoyorquino escribió principalmente en la etapa inicial de su carrera. La música describe, con mayor o menor pericia, las aventuras de los atribulados protagonistas no persiguiendo la creación de una temática especialmente original (su gran error en realidad), sino dejándose llevar por la nostalgia de su propio estilo como autor. Es cierto que todos los compositores beben de sus propias fuentes, pero en este caso Silvestri peca de ser autocomplaciente. Sus temas centrales no conmueven, son como un déjà vu que deja indiferente.
Score, en definitiva, que cumple en su propósito de ser referencial pero que sucumbe ante la búsqueda de la originalidad.
  • Lo mejor: las orquestaciones de William Ross y Henri Wilkinson.
  • Lo peor: decepciona la falta de ambición.


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Crítica: 'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa' de Marco Fedalto [*****]

'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa', producción animada italiana realizada por Sergio Manfio, narra las aventuras de un adolescente Leonardo Da Vinci que acude en ayuda de su amiga Gioconda debido a sus problemas económicos. Para ello salen en busca de un legendario tesoro que se supone hundido en las costas de la Isla de Montecristo. La película, que está a la espera de una distribución internacional (aunque ya se ha estrenado en Italia, Turquía y Grecia), se beneficia de la dinámica partitura escrita por Marco Fedalto, quien firma su primera banda sonora para la gran pantalla. El score es un homenaje al cine de animación y, en especial, a las producciones clásicas de piratas en las que el estilo de capa y espada inundaba la creación. 
Fedalto, discípulo de Conrad Pope, ha compuesto nada más y nada menos que 6 temas, algo, por desgracia, muy poco habitual en el cine contemporáneo. Con ello, 'Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa' se convierte en un score de innegable riqueza temática en el que prima, por encima de todo, el tono jovial y festivo. No hay momento para el respiro; más bien todo lo contrario, pues la lluvia de motivos plenos de colorido hacen de la partitura una experiencia que nos devuelve a épocas pretéritas en las que el compositor otorgaba gran importancia a la variedad tonal.
Una primera obra que augura un futuro muy prometedor.
  • Lo mejor: la riqueza temática.
  • Lo peor: nada.




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Los mejores scores de 2017

Quizás el año que nos deja no haya sido especialmente destacable en la cosecha de scores sobresalientes, pero sí resulta indudable que durante 2017 hemos podido disfrutar de algunas composiciones que quizás en un futuro sean historia viva del séptimo arte. Estas son las que considero más importantes, como siempre desde una perspectiva muy personal:

'Wonder Woman' (Rupert Gregson-Williams)
En 2016 Gregson-Williams compuso dos magníficas bandas sonoras: 'La leyenda de Tarzán' y 'Hasta el último hombre'. Con anterioridad, otras obras también notables en su trayectoria fueron, por ejemplo, 'Hotel Rwanda' o 'Cuento de invierno'. Con 'Wonder Woman' se sitúa de manera muy evidente dentro del universo Remote Control & Media Ventures, pero distanciándose de la, en ocasiones, ampulosidad pueril de las partituras de superhéroes. En este caso, el compositor británico crea una serie de motivos de gran fuerza orquestal, que combinan a la perfección el estilo más contemporáneo con el clasicismo más añorado. 

'Una bolsa de canicas' (Armand Amar)
Habitual de la filmografía francófona (en especial norteafricana, belga y francesa), el músico israelí Armand Amar es un ejemplo de autor de fuerte personalidad. Sus creaciones se caracterizan, en líneas generales, por la emotividad y la sobriedad, tan tradicionales en los artistas que trabajan en el cine del viejo continente. Con 'Una bolsa de canicas' ha firmado uno de los scores más elegantes del año, con melodías de suave musicalidad, que no evitan el subrayado dramático propio de una historia profundamente trágica.

'Colossal' (Bear McCreary)
Con tan sólo 38 años, McCreary ya ha compuesto cerca de 80 bandas sonoras, lo cual, ya de por sí, es un logro más que notable. Sus inicios se desarrollaron en el mundo del cortometraje y la televisión. Sin embargo, no sería hasta el año pasado que el músico nacido en el estado de Florida empezara a consolidarse en la gran pantalla, gracias a scores como 'El bosque de los suicidios', 'The boy' o, sobre todo, 'Calle Cloverfield 10'. Con 'Colossal' (producida dicho año pero estrenada en el presente), la atípica pero memorable película de ciencia-ficción social del inimitable Nacho Vigalondo, ha conseguido posicionarse como uno de los compositores cinematográficos con más proyección, gracias a una obra que parece una continuación estilística de 'Calle Cloverfield 10', y en la que predominan los temas vigorosos orquestalmente hablando. Lejos quedan sus devaneos con los experimentos electrónicos. McCreary ha decidido, por fortuna, mostrar sus cartas como artista decididamente clásico.

'El jugador de ajedrez' (Alejandro Vivas)
Aunque parezca increíble, nos encontramos ante la segunda partitura para el cine del compositor almeriense Alejandro Vivas, tras la sobresaliente (que no la película) 'La conjura de El Escorial', de 2008. 'El jugador de ajedrez' es un score brillante en lo melódico que siempre deja en el oyente una sensación de sosegado placer. Una vez más nos encontramos ante un músico de profundas raíces tradicionales que confirma con su obra que se merece con su apasionada creación más oportunidades en el cerrado mundo del cine español.

'Jeepers creepers 3' (Andrew Morgan Smith)
De manera sorprendente, el director y guionista Víctor Salva no contó para la tercera parte con el músico de las dos anteriores, Bennett Salvay, quien había firmado dos scores muy recomendables. Para esta polémica tercera incursión en el universo del Creeper, ha contado con la inestimable colaboración de un casi desconocido compositor, Andrew Morgan Smith, autor de tan sólo 10 bandas sonoras para la gran pantalla. Con 'Jeepers creepers 3' ha sorprendido por el ímpetu orquestal de su creación, innegablemente deudora de las creaciones de Salvay, que ya se caracterizaban por su espectacularidad en cuanto a la instrumentación. No en vano Smith ha sido pupilo del gran David Newman. En resumen, una partitura oscura, tenebrosa pero lúcidamente estructurada.

'Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi' (John Williams)
Octava partitura del maestro Williams que, poco a poco, va conformando una vasta e imperecedera sinfonía galáctica. Con sus 85 años sigue escribiendo melodías perdurables, quizás no tan míticas pero sí profundamente emotivas. Apoyándose en casi una docena de orquestadores, crea una banda sonora épica que retoma con gran brillantez los temas de siempre, dotándolos para la ocasión de aún más solvencia dramática. Lástima que las imágenes no sean un buen compañero de aventuras.

'Cantábrico' (Santi Vega)
Para el magnífico documental de Joaquín Gutiérrez Acha, el compositor Santi Vega, especialista del género con partituras como 'Moradores del Himalaya', 'La guerra del tigre' o 'Los guardianes del planeta', se luce con un extraordinario tour de force temático que seduce por su capacidad descriptiva. De hecho, sin las bellísimas imágenes la música sigue teniendo una enorme fuerza.

'Wakefield' (Aaron Zigman)
Siempre he considerado a Zigman como uno de los compositores cinematográficos más infravalorados. Pese a contar en su filmografía con scores de la talla de 'John Q', 'Flicka', 'El diario de Noa', 'Conociendo a Jane Austen', 'Un puente hacia Terabithia' o 'La decisión de Anne', su encasillamiento en las comedias románticas ha provocado que no haya desarrollado en toda su amplitud el potencial que tiene como artista. Con 'Wakefield' firma no sólo un score de delicadas sonoridades sino uno de los temas más bellos de todo el año. Sólo por ello merece estar en esta lista.

'Los archivos del Pentágono' (John Williams)
Tras 'Lincoln' y 'El puente de los espías', Spielberg firma un nuevo melodrama político. La partitura de Williams es deudora de otras anteriores de similar temática como 'JFK' o 'Lincoln', donde imperaban las tonalidades graves y moderadas, pero sin evitar los momentos afectivos. Parece menor pero, en el fondo, nos encontramos ante una de las bandas sonoras más importantes del año.

'Ferdinand' (John Powell)
Especialista en el cine de animación, Powell nos regala una obra colorista y festiva. Tiene la peculiar virtud de resultar tremendamente espontánea y lúcida, naturalidad que se muestra en sus dos temas centrales, protagonistas junto con sus juguetonas variaciones de una banda sonora que acabará siendo con el tiempo todo un clásico.


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Crítica "The Post (Los archivos del Pentágono)" de John Williams [*****]

Todo empezó en 1974 cuando un Steven Spielberg de tan sólo 27 años llamaba a un ya veterano John Williams (42 años) para que escribiera la música de su primer largometraje para la gran pantalla: 'Loca evasión'. El joven realizador estadounidense era un gran aficionado a la música de cine, y uno de sus scores preferidos era el compuesto por Williams en 1969 para 'Los rateros', de ahí que desde entonces sintiera la necesidad de contar con su colaboración. Fue el inicio de una poderosa amistad que les ha llevado a trabajar conjuntamente en todas las películas de Spielberg hasta la fecha, a excepción de 'El color púrpura', 'El puente de los espías' y la próxima 'Ready Player One'. Su último proyecto conjunto es 'The Post (Los archivos del Pentágono)', película que narra la batalla periodística del New York Times y del Washington Post para sacar a la luz documentos clasificados de la Guerra del Vietnam. La partitura de John Williams es un modelo de composición sobria, muy en la línea de otras bandas sonoras anteriores como 'JFK', 'Nixon' o 'Sleepers', donde imperaban las tonalidades graves, muy moderadas o incluso oscuras, que, en cierta manera, huían del subrayado previsible para centrarse en lo contenido como acompañante fiel de la acción. 'The Post' sigue dicho camino, dejando atrás los motivos reconocibles tan afines a la filmografía de Williams, para decantarse por el trazo sutilmente fino. Incluso coquetea con el jazz, como si viajara en el tiempo a sus años de juventud creativa.
De todos los temas destaca por su brillantez y belleza formal el último, 'The courts decision and End Credits', en el que el maestro neoyorquino destapa el frasco de sus inspiradas esencias con un motivo que muestra que la madurez es un punto muy a su favor.

  • Lo mejor: el tema final.
  • Lo peor: que puede desconcertar a los que busquen orquestaciones más épicas y que se critique el inicio del tema 'The presses roll' por su evidente parecido con el del central de 'Las brujas de Eastwick'.
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Crítica de "Ferdinand" de John Powell [*****]

"La ruta hacia el Dorado", "HormigaZ", "Chicken run", "Shrek", "Robots", "Happy feet (1 & 2)", "Ice Age (2, 3 & 4)", "Kung Fu Panda (1 & 2)", "Horton", "Bolt", "Cómo entrenar a tu dragón (1 & 2)", "Río (1 & 2)", "Marte necesita madres", "Lorax". La filmografía del compositor londinense John Powell centrada en el cine de animación resulta, en verdad, impresionante. Es quizás el músico contemporáneo más notable en dicho campo. Ahora nos llega "Ferdinand", una nueva producción de Blue Sky, con quien ya colaboró anteriormente, por ejemplo, en la saga "Ice Age" o "Robots". El largometraje dirigido por el brasileño Carlos Saldanha, adaptación del cuento de Munro Leaf y Robert Lawson, cuenta la historia de un joven toro manso que, por equivocación, es enviado a Madrid para ser toreado en Las Ventas. Como es obvio, Powell recrea dicho argumento con una línea melódica de marcados tonos hispánicos, deudora de scores clásicos (y no tan clásicos) como "Sangre y arena" de Alfred Newman, "El Bravo" de Victor Young, "El burlador de Castilla" de Max Steiner, "La máscara del Zorro" de James Horner o "Don Juan DeMarco" de Michael Kamen, de los que toma su festivo colorido, al que aporta su peculiar estilo contemporáneo en el que la percusión adquiere un notable protagonismo, no en vano se trata de una película en la que la acción es desbordante. "Ferdinand" tiene la peculiar virtud de resultar tremendamente espontánea y lúcida, naturalidad que se muestra con claridad en sus dos temas principales, protagonistas absolutos de toda la banda sonora, y en un sinfín de variaciones repletas de vigor, y cuya vehemencia resulta un auténtico placer para los oídos.
  • Lo mejor: la vitalidad de todo el score.
  • Lo peor: que no haya más partituras como "Ferdinand".
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Crítica de "Star Wars: Los últimos Jedi" de John Williams [*****]

John Williams lo ha vuelto a lograr. De nuevo, nuestro maestro Jedi nos ha legado una obra maestra más (y van....). Con "Los últimos Jedi" ha escrito su octava partitura de la saga galáctica más emblemática (con el permiso de Star Trek) de la historia del cine. Es probable que el aficionado (y no sólo el musical) eche en falta el asombroso caudal temático de las anteriores aventuras estelares, en las que sobresalían los motivos plenos de carisma, y que han acabado formando parte, por méritos propios, de la cultura global. Sin embargo, en esta ocasión Williams se ha decantado por un estilo en el que priman los referentes temáticos mencionados, dotándolos de una presencia más solvente. Sí es cierto que el maestro neoyorquino también ha escrito otros nuevos, destacando uno de los más emotivos en su filmografía reciente: 'The rebellion is reborn (Rose's theme)'. Aún así, la banda sonora no descansa en lo novedoso, sino en los firmes pilares de una serie de temas que parecen adherirse a los personajes como guantes melódicos. Una obra, en definitiva, más allá de los cánones actuales caracterizados por lo predecible de sus premisas, muy habitualmente pueriles. Gracias, señor Williams, por regalarnos otro fascinante viaje musical a una galaxia muy lejana.
  • Lo mejor: la frescura del conjunto.
  • Lo peor: que pueda ser considerado un autohomenaje sin carisma.
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LOS MEJORES SCORES DE 2016


2016 ha sido un año especialmente notable en lo que a música cinematográfica se refiere, y, como todos los meses de diciembre, toca resumirlo con los scores más destacables desde mi subjetivo punto de vista, aunque bien es sabido en este tipo de casos que, a buen seguro, me dejaré en el tintero alguna banda sonora.
Estos son, en estricto orden de preferencia, los scores más importantes de 2016 (con su título original):

'Kubo and the two strings', de Dario Marianelli.
    No todos los años nos encontramos ante una creación de un clasicismo tan arrebatador como la escrita por el autor italiano, quien firma una composición alejada de lo innovador y rendida al más puro y contundente academicismo. Partiendo de un tema central memorable, Marianelli se deja seducir (no podía ser de otra manera) por la magia de unas imágenes llenas de luminosidad y belleza, al igual que su música.

'The Young Messiah', de John Debney.
    Debney es un artista mayúsculo que se merece como pocos un reconocimiento definitivo dentro de la Industria. Con 'The Young Messiah' se distancia, en cierta manera, del carácter innovador de 'La Pasión de Cristo' para adentrarse en una creación musical muy cercana a lo místico en la que priman las melodías elegíacas.

'La tortue rouge", de Laurent Pérez del Mar
   El compositor francés, con tan sólo 12 partituras para largometrajes, firma una obra que pasará a la historia del cine por incluir uno de los temas más emotivos de los últimos años. Apoyándose en la calidez de una seductora voz femenina, la melodía se convierte en una protagonista más de la historia de amor descrita en esa maravillosa película que es 'La tortuga roja'. Pero el score es mucho más que eso; es un canto a la belleza de la naturaleza y al amor incondicional.

'The BFG', de John Williams.
    ¡Cómo no! No podía faltar el maestro neoyorquino a esta cita de fin de año. Es posible que no sea una de sus obras más memorables pero Williams siempre cumple cuando se trata de seducirnos con sus temas sensibles y sus subrayados profundamente eficientes.

'The Monkey King 2', de Christopher Young.
    De todas las películas de la lista, ésta es quizás la de menor repercusión tanto de crítica como de público. No obstante, Young repite la línea tonal de su predecesora regalándonos un score de gran espectacularidad sin ningún claroscuro.

'Fantastic Beasts and where to find them', de James Newton Howard.
    Howard vuelve a demostrar que se siente como pez en el agua en el género fantástico y de aventuras, dando rienda suelta a su bien conocido tono épico. Es una banda sonora con algunos altibajos pero con momentos de enorme energía orquestal, lo que hacen de ella una obra muy a tener en cuenta.

'The jungle book', de John Debney.
    De nuevo Debney, en esta ocasión con una aventura familiar que se beneficia no sólo de unos espectaculares efectos visuales, sino también de un score de imponente clasicismo que cuenta con uno de los temas más brillantes del año.

'La La Land', de Justin Hurwitz.
    Una de las películas con mayor éxito de crítica y un trabajo del joven compositor Justin Hurwitz que rinde un emotivo homenaje al cine musical americano, a través de una temática de tonalidades ligeras pero no por ello menores.

 'Julieta', de Alberto Iglesias.
    Quizás sorprenda incluir el score de Iglesias pero debo confesar que me fascinó su notable sentido de la contención y muy especialmente su sensibilidad a la hora de describir a los personajes principales, huyendo de dramatismos y centrándose en su lado más humano.

'Rogue One: A Star Wars story', de Michael Giacchino.
    Giacchino rinde un sincero homenaje a su compositor preferido, John Williams, huyendo de copias superfluas y sin traicionar su propio estilo. Cumple en los momentos de acción y sobresale en los temas que se acercan al universo Williams.

'10 Cloverfield Lane', de Bear McCreary.
      Obra oscura pero no tétrica, muy consciente del tono claustrofóbico de la película. Aún así, sorprende por su energía y, sobre todo, por evitar el subrayado fácil.

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CRÍTICA DE "ANIMALES FANTÁSTICOS Y DÓNDE ENCONTRARLOS" DE JAMES NEWTON HOWARD [****1/2]

Spin-off de la saga Harry Potter, 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos' es el bautizo cinematográfico como guionista de la célebre novelista J.K. Rowling. Ambientada 70 años antes de la mencionada saga, la película relata la historia del mago Newt Scamander, al que se le encarga la redacción de un libro sobre seres fantásticos. Para ilustrar musicalmente el largometraje de David Yates, los productores no han dudado en hacerse con los servicios de uno de los compositores más dotados melódicamente hablando: el californiano James Newton Howard. La partitura dibuja a la perfección el universo mágico de Rowling a través de una temática abiertamente épica pero que tiene en su vertiente emotiva sus momentos más logrados. Es bien sabido que Howard es un autor que da lo mejor de sí mismo en las producciones de corte aventurero y fantástico ('Océanos de fuego', 'Waterworld', 'El protegido', 'El planeta del tesoro', 'Mi monstruo y yo', 'Blancanieves y la leyenda del cazador'), y con 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos' vuelve a demostrar su inagotable talento como creador de melodías de gran sensibilidad apoyadas en una enérgica orquestación. Es posible que el aficionado no encuentre en esta ocasión una obra especialmente original pero su sentido del espectáculo y, por qué no decirlo, su carácter de plausible entretenimiento, hacen de ella un auténtico festival musical.
  • Lo mejor: El extenso tema 'Relieve him of his wand / Newt releases the Thunderbird / Jacob's farewell'.
  • Lo peor: las comparaciones.
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CRÍTICA 'DARK WAVES' DE ALEXANDER CIMINI [*****]


Tras 'Red Krokodil' y 'Shock: My abstraction of death', 'Dark waves: Bellerofonte' es la nueva colaboración entre el cineasta Domiziano Cristopharo y el compositor Alexander Cimini. En esta ocasión el músico italogermano nos vuelve a seducir con una creación intimista y plena de serena sensibilidad que otorga a la película de Cristopharo de un aire cercano a lo onírico, subrayando con ello su carácter de cuento de hadas moderno. El score toma como protagonistas a la sublime voz soprano de Monica Boschetti así como al violín, el violoncello, la flauta, el clarinete y el piano (interpretado por el propio autor), conformando un bellísimo concierto para orquesta e instrumentos solistas que ilumina la historia fantástica del filme. Un trabajo que confirma a Cimini como un compositor de innegable talento que, sin duda, nos ofrecerá en el futuro nuevas muestras de su gran creatividad.

Información de la edición en kronosrecords.com


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CRÍTICA DE "EL LIBRO DE LA SELVA" DE JOHN DEBNEY [*****]


John Debney y el director Jon Favreau han mantenido desde 2003 una estrecha colaboración que se concreta en las películas 'Elf', 'Zathura', 'Iron Man 2' y 'El libro de la selva'. Todas ellas tienen en común desde el punto de vista musical y cinematográfico su notable sentido del espectáculo. El caso que nos ocupa, 'El libro de la selva', es una nueva adaptación de la obra homónima de Rudyard Kipling que toma como evidente referencia la versión animada de 1967 de la factoría Disney, pero ahora mezclando la imagen real del protagonista con las maravillas de los efectos digitales. La partitura de Debney, perfectamente orquestada por el gran compositor Kevin Kaska, es, sin duda, una de las bandas sonoras más importantes en lo que va de año, gracias sobre todo al colorido tonal impregnado por el músico californiano, quien, consciente de las enormes posibilidades melódicas de la historia de Kipling, da rienda suelta a su pasión por la tradición sinfónica, en la que predomina una poderosa instrumentación. Pero donde 'El libro de la selva' sale definitivamente airosa es en su extraordinario tema central, lleno de sensibilidad y, desde ya, referente de toda la filmografía de John Debney,
  • Lo mejor: el tema principal.
  • Lo peor: nada.


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CRÍTICA DE "CARLOS: REY EMPERADOR" DE FEDERICO JUSID [*****]

Autor de unos 30 scores para la gran pantalla y 20 para la pequeña, el compositor argentino Federico Jusid es uno de los autores más notables del panorama musical actual. De entre sus partituras destacan con luz propia El secreto de sus ojos, La vida inesperada, Felices 140 y Misconduct (cine), además de Tierra de lobos, Hispania, Teresa, Isabel y, muy especialmente, Carlos: Rey Emperador (televisión). Por desgracia, de su filmografía sólo se han editado dos trabajos en formato CD; concretamente El secreto de sus ojos y la reciente Misconduct. Resulta del todo incomprensible que un autor de su talla se encuentre olvidado por las discográficas, y un ejemplo evidente de ello es la mencionada Carlos: Rey Emperador, sin la menor duda una de las bandas sonoras televisivas más destacables no sólo del último año sino de las últimas décadas. Nos encontramos ante un score que tiene en sus profundas raíces clásicas su mayor virtud. Jusid confiere al coro un protagonismo lúcido, quien, en compañía de la orquesta, dota a la obra de un brillante carácter solemne, como requiere en realidad la épica historia que describe. Retoma en más de un momento la línea melódica de la serie Isabel, que ya otorgaba a la música vocal un papel principal. Carlos: Rey Emperador no es, sin embargo, una mera sucesión de arreglos sino que Jusid atribuye a su creación el suficiente carisma como para ser considerada una obra de referencia.
  • Lo mejor: la interpretación de la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE.
  • Lo peor: la ausencia de edición discográfica.

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CRÍTICA DE "BATMAN VS. SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA" DE HANS ZIMMER & JUNKIE XL [***]

Hans Zimmer y Tom Holkenborg (Junkie XL) han colaborado de manera regular desde 'El espantatiburones' en scores como 'Madagascar', 'Kung Fu Panda 2', 'El caballero oscuro: la leyenda renace' o 'El hombre de acero'. Ahora se han vuelto a citar en una nueva aventura de dos de los superhéroes más carismáticos, 'Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia', que confirma a ambos compositores como auténticos referentes de la música de cine contemporánea. Siguiendo su línea melódica habitual, es decir, sinuosos motivos cuyo patrón es la reiteración casi obsesiva, la partitura toma como referente principal la temática abiertamente oscura, potenciada por la unión habitual entre orquesta y elementos electrónicos, que confieren aún mayor dramatismo al desarrollo del score. 'Batman vs. Superman: El amanecer de la justicia' no aporta nada nuevo a la obra de Zimmer y Holkenborg, pues resulta en más de un momento en exceso conservadora, aunque los momentos épicos nos despiertan del, en ocasiones, poco deseado letargo.
  • Lo mejor: la conjunción de los compositores.
  • Lo peor: adolece de previsible.
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CRÍTICA DE "10 CLOVERFIELD LANE" DE BEAR McCREARY [****]

La obra del compositor nacido en Florida Bear McCreary se ha centrado casi siempre en el mundo de la televisión, empezando su singladura en 1997 con 'Surfing Channels', a la temprana edad de 18 años. Desde entonces destacan en su haber catódico 'Battlestar Galactica', 'Terminator: Las Crónicas de Sarah Connor', 'Eureka', 'Defiance', 'Agentes de SHIELD' y, sobre todo, la emblemática 'The Walking Dead'. Su primera incursión en la gran pantalla fue en 2010 con la olvidable 'Step up 3D', a la que han seguido películas como 'Europa One', 'Everly' o la reciente 'El bosque de los suicidios'. Ahora nos llega su última aventura cinematográfica, la esperada "secuela" de 'Monstruoso': '10 Cloverfield Lane'. La crítica norteamericana ha sido casi unánimemente muy elogiosa con el largometraje dirigido por Dan Trachtenberg, y, por el momento, el público parece haber respondido de manera positiva a un proyecto en apariencia modesto como el producido por J.J. Abrams.
El score de McCreary recrea los aires lóbregos de 'The Walking Dead', serie de la que toma, en cierta manera, su tema central, redibujándolo de manera muy sutil. Sin embargo, '10 Cloverfield Lane' no es un mero clon; ni mucho menos. Es una partitura que busca en todo momento la ambientación angustiosa de aires herrmannianos mediante una instrumentación muy perspicaz que no cae en la trampa de rendirse ante las tonalidades superficiales. De hecho, donde destaca es en el desarrollo de los temas de acción, en los que McCreary no se supedita al subrayado tradicional, sino que los dota de un vigor encomiable.
  • Lo mejor: el tema principal.
  • Lo peor: la reiteración de dicho tema.
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CRÍTICA DE "BURNT" DE ROB SIMONSEN [*****]

Curtido en mil batallas como compositor de música adicional de películas como 'Natividad', 'Locos por el surf', 'El imaginario del Doctor Parnassus' o 'La vida de Pi', todas ellas firmadas originalmente por su mentor Mychael Danna, Rob Simonsen es uno de los valores en alza del cine norteamericano. Entre sus scores destaca de manera muy especial una de las sorpresas del pasado año: 'El secreto de Adaline'. Tras ella se encuentra 'Burnt', vehículo de lucimiento para Bradley Cooper que pasó sin pena ni gloria por las taquillas internacionales. Se trata de un melodrama culinario (si se puede llamar así al género) que tiene como protagonista a un chef en busca de la redención a través de la cocina. La música de Simonsen es deudora de su obra maestra citada, y redunda en las melodías amables y muy cercanas al estilo de Danna, pero con el suficiente carisma como para dotar al score de autonomía propia. Es una creación de serena belleza que juega con lo ecléctico. Cada uno de sus 16 temas tiene la virtud de la originalidad, pues huyen de las reiteraciones deudoras de un tema central, lo que convierte a 'Burnt' en una rara avis del panorama actual.
  • Lo mejor: la solvencia de toda la partitura.
  • Lo peor: le brevedad de la misma.
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CRÍTICA DE "DIOSES DE EGIPTO" DE MARCO BELTRAMI [****]

El cine épico que tiene a Egipto como marco principal puede presumir de bandas sonoras de auténtico lujo como 'Sinuhé, el egipcio' (Bernard Herrmann y Alfred Newman), 'Tierra de faraones' (Dimitri Tiomkin), 'Cleopatra' (Alex North), 'El valle de los reyes' (Miklós Rózsa), 'Marco Antonio y Cleopatra' (John Scott), 'Los Diez Mandamientos' (Elmer Bernstein), 'Muerte en el Nilo' (Nino Rota), 'Stargate' (David Arnold), 'La momia' (Jerry Goldsmith) o incluso  'En busca del Arca Perdida' (John Williams). Todos ellos son scores que sobresalen por su tono solemne y clásico, llegando incluso a poder ser considerados como referentes de la música cinematográfica. Ahora nos llega una nueva aventura egipcia de la mano del director de 'Yo robot' Alex Proyas: 'Dioses de Egipto'. Largometraje que mezcla el género de aventuras con el fantástico que ha sido masacrado por la crítica en su estreno americano, y al que, además, el público le ha dado la espalda. La partitura corre a cargo del casi siempre solvente compositor Marco Beltrami, quien retoma su espíritu sinfónico de obras anteriores como 'Mimic', 'Hellboy' o 'El vuelo del Fénix'. En esta ocasión se decanta por la evidente línea melódica tradicional, que protagoniza los temas centrales de la partitura y que profundizan en el componente pomposo y épico, reforzado por la inestimable ayuda de seis orquestadores. Y aunque el score peque en no pocos momentos de ostentoso, su tono enérgico y de innegable espectacularidad hace de él un ejemplo perfecto de banda sonora cuyo sentido de lo clásico acaba por ser su principal aliado.
  • Lo mejor: el inusitado esfuerzo de Beltrami
  • Lo peor: en ocasiones resulta una obra aparatosa.
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